La escuela veneciana del siglo XVI
Movimientos artísticos, períodos y estilos en 5 puntos.
La escuela veneciana del siglo XVI
- Siendo Venecia durante siglos una ciudad poderosísima, el arte y los artistas que va generando son muchos y dejan su impronta en la historia. A eso se lo llama “escuela veneciana” en general y, como a lo largo de esos siglos (entre el XV y el XVIII), las manifestaciones son múltiples y de características cambiantes, nos vamos a centrar en el siglo XVI, el momento del apogeo y de esas cualidades distintivas con las que sus artistas brillan con luz propia junto a los otros genios del Renacimiento.
- En Venecia se populariza el uso del óleo que ha traído de Flandes Antonello da Messina (cuando la escuela veneciana va tomando forma en el siglo XV). Y la paleta de colores que veremos en general es fuerte, brillante, con contrastes violentos. Y donde el color que se suele destacar es el azul ultramar (tal vez una de las primeras claves que nos da un cuadro para que reconozcamos que proviene de esa escuela).
- Los cuadros son muy luminosos. Una característica que se suele relacionar con el hecho que Venecia es una ciudad muy luminosa. Y justamente, relacionada con la obsesión por la luz, las condiciones atmosféricas y el colorido, vamos a encontrar que toma fuerza el uso de la perspectiva atmosférica: una perspectiva que se obtiene no por puntos de fuga sino por variaciones de luz y color.
- Uno de los temas favoritos es el de las historias mitológicas (como la del cuadro que elegimos como ejemplo). Y vemos en otras obras emblemáticas de este siglo que el paisaje se vuelve cada vez más importante, dejando de ser apenas un telón de fondo. Uno de los ejemplos fundamentales es La tempestad, de Giorgione, que es considerado el primer paisaje “emocional” (una obra donde el paisaje, en este caso tormentoso, tiene la función de expresar el estado de ánimo del artista).
- Son los venecianos quienes empiezan a utilizar la pincelada suelta, a la que nos gusta llamar “pincelada veneciana”: no se dibuja el contorno y luego se colorea el interior, la figura se va formando en cambio a partir de toquecitos de color dados con soltura y velocidad. Algo que a simple vista da a las obras un aspecto abocetado, como si no estuvieran terminadas, pero que se sienten más llenas de vida que aquellas donde el detalle se trabaja obsesivamente. Esta pincelada es la que usarán más tarde Rubens, Rembrandt, Velázquez y genios de todas las épocas, hasta llegar a convertirse en un recurso fundamental para el impresionismo.
Artistas representativos: Bellini, Giorgione, Catena, Palma el Viejo, Palma el Joven, Tiziano, Tintoretto, Veronés
Imagen: Baco y Ariadna (1520/23). Tiziano
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1 comentario
Valeria Decastelli · 7 abril, 2021 a las 11:05 am
Bello